https://obchenye.bbmy.ru/ Мир классической музыки ru-ru Sat, 13 Nov 2010 22:41:14 +0300 MyBB/mybb.ru https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=79#p79 <p>Это такая двойка, в огне...</p> mybb@mybb.ru (Элина-90) Sat, 13 Nov 2010 22:41:14 +0300 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=79#p79 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=76#p76 <p>Я 13.07.1990<br />20 лет.</p> mybb@mybb.ru (Элина-90) Sat, 23 Oct 2010 14:17:11 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=76#p76 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=75#p75 <p>Элина</p> mybb@mybb.ru (Элина-90) Sat, 23 Oct 2010 14:16:15 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=75#p75 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=74#p74 <p>Зарубежные:</p> <p>Астор Пьяццола — композитор и исполнитель (игравший на ближайшем родственнике аккордеона — бандонеоне)<br />Ян Тирсен — композитор<br />Д. Фоссен — композитор и исполнитель<br />Пьетро Фроссини<br />Похьонен, Киммо<br />Теодоро Анцелотти — исполнитель<br />Штефан Хуссонг — исполнитель<br />Кейко Харада — композитор<br />Трио Accordeon Tribe<br />Nino Portelli </p> <p>Российские (и советские):</p> <p>Валерий Ковтун — эстрадный исполнитель, Народный Артист России, Лауреат Государственной премии за 2007 год<br />Юрий Дранга (народный артист России) и его сын Пётр Дранга<br />Роман Бажилин — исполнитель, лауреат международного конкурса, автор многочисленных нотных сборников<br />Ян Табачник<br />Щураков, Сергей Михайлович<br />Motion trio — Гран при конкурса современной камерной музыки Пендерецкого, участники многочисленных фестивалей джаза и world music</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 18:29:48 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=74#p74 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=73#p73 <p>Основные сведения</p> <p>Аккордеон — духовой язычковый музыкальный инструмент, ручная гармоника.<br /><br /><br /></p> <p>В русской традиции обычно принято называть только инструменты с правой клавиатурой фортепьянного типа (обычно несколько тембровых регистров) — в отличие, например, от баяна. Однако иногда встречается и наименование «кнопочный аккордеон». Некоторые его разновидности называют баяном.</p> <p>В конце XIX века аккордеоны в большом количестве изготавливались в Клингентале (Саксония). До сих пор самыми распространёнными в России являются аккордеоны фирмы «Weltmeister» (различных марок, например, Diana, Stella). Встречаются также другие фирмы-производители, как зарубежные («Horch», Hohner (англ.)), так и российские («Берёзка», «Меркурий»).<br />Особенности аккордеона<br />&#9643; Использование множества т. н. регистров, позволяющих менять и комбинировать октавы исполняемых мелодий, даёт возможность моделировать множество других инструментов и тем самым фактически заменить их звучание. На концертных версиях аккордеонов существуют регистры, расположенные в местах, которые позволяют переключать их, не прерывая мелодии (например, т. н. «подбородковые» регистры).<br />&#9643; Управляемость длительностью звучания позволяет извлекать звуки почти произвольной длительности и, тем самым, адекватно воспроизводить орган, в отличие от фортепьяно, где это невозможно.<br />&#9643; Зависимость извлечения звука от движения меха даёт простор дополнительным приёмам звукоизвлечения (например, вибрато) вплоть до изменения высоты ноты на дробные доли тона (нетемперированное глиссандо).<br />&#9643; Портативность позволяет выступать музыкантам в практически любом месте.<br />&#9643; Меньший размер клавиш по сравнению с фортепиано даёт возможность исполнять большие интервалы.<br />&#9643; Несмотря на использование регистров, полное соответствие (совпадение всех гармоник в звуковом спектре) тембрам других инструментов невозможно<br />Зависимость извлечения звука от движения меха создаёт трудности (прерывание звучания) при смене направления движения меха.<br />&#9643; Меньшая распространённость (по сравнению с фортепиано, например) в России приводит к необходимости приносить инструмент с собой. В то же время, например, фортепиано имеет достаточно большое присутствие во многих крупных организациях.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 18:29:10 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=73#p73 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=72#p72 <p>Основные сочинения Мендельсона<br />Оперы и зингшпили<br />«Два племянника, или Дядюшка из Бостона»<br />«Свадьба Камачо»<br />«Любовь солдата»<br />«Два педагога»<br />«Бродячие комедианты»<br />«Возвращение с чужбины» (переработано в вокальный цикл, op. 89; 1829)<br />Оратории<br />«Павел», op. 36 (1835)<br />«Илия», op. 70 (1846)<br />«Христос», op. 97 (не окончена)<br />Te Deum<br />Кантаты<br />«Christe, Du Lamm Gottes» (1827)<br />«O Haupt voll Blut und Wunden» (1830)<br />«Vom Himmel hoch» (1831)<br />«Wir glauben all» (1831)<br />«Ach Gott vom Himmel sieh darein» (1832)<br />«Вальпургиева ночь», op. 60<br />«Праздничные песнопения», op. 68 (1840)<br />«Wer nur den lieben Gott lasst walten» (1829)<br />Оркестровые сочинения<br />12 симфоний для струнного оркестра (1821—1823)<br />Симфония № 1 c-moll op. 11, (1824)<br />Симфония № 2 B-dur (симфония-кантата «Хвалебная песнь»), op. 52 (1840)<br />Симфония № 3 a-moll («Шотландская»), op. 56 (1842)<br />Симфония № 4 A-dur («Итальянская»), op. 90 (1833)<br />Симфония № 5 d-moll («Реформационная»), op. 107 (1832)<br />Увертюра C-Dur («Увертюра с трубами»), op. 101 (1825)<br />Увертюра «Сон в летнюю ночь», op. 21 (1826/1831)<br />Увертюра «Сказка о прекрасной Мелузине», op. 32 (1833)<br />Увертюра «Гебриды, или Фингалова пещера», op. 26 (1832)<br />Увертюра «Морская тишь и счастливое плавание», op. 27 (1828/1833/1834)<br />Увертюра «Рюи Блаз», op. 95 (1839)<br />Музыка к трагедии «Антигона», op. 55 (1841)<br />Музыка к комедии «Сон в летнюю ночь», op. 61 (1843) (В том числе знаменитый Свадебный марш)<br />Музыка к пьесе «Аталия», op. 74 (1843—1845)<br />Музыка к трагедии «Эдип», op. 93 (1845)<br />Музыка к пьесе «Лорелея», op. 98 (1845)<br />Концерты<br />Концерт для скрипки с оркестром d-moll (1822)<br />Концерт для скрипки с оркестром e-moll op. 64 (1838, вторая редакция 1844)<br />Концерт для фортепиано с оркестром a-moll (1822)<br />Концерт для фортепиано с оркестром № 1 g-moll, op. 25 (1831)<br />Концерт для фортепиано с оркестром № 2 d-moll, op. 40 (1837)<br />Два концерта для двух фортепиано с оркестром (E-dur и As-dur) (1823—1824)<br />Концерт для скрипки и фортепиано с оркестром D-dur (1823)<br />Камерные сочинения<br />Семь струнных квартетов;<br />Струнный октет;<br />Две сонаты для скрипки и фортепиано;<br />Две сонаты для виолончели и фортепиано;<br />Два фортепианных трио;<br />Три фортепианных квартета;<br />Соната для альта и фортепиано<br />Сочинения для фортепиано<br />Прелюдии и фуги<br />Вариации<br />Три сонаты<br />Этюды<br />Каприччио<br />«Песни без слов», восемь тетрадей<br />Рондо-Каприччиозо<br />Сочинения для органа<br />Прелюдия d-moll (1820)<br />Анданте D-dur (1823)<br />Пассакалья c-moll (1823)<br />Три прелюдии и фуги, op. 37 (1836/37)<br />Три фуги (1839)<br />Прелюдия c-moll (1841)<br />Шесть сонат op. 65 (1844/45)<br />Анданте с вариациями D-dur (1844)<br />Аллегро B-dur (1844)<br />Вокальные и хоровые сочинения<br />«На крыльях песни»<br />«Gruss»<br />Шесть песен, op. 59 (1844)<br />Лес</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 18:27:39 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=72#p72 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=70#p70 <p>Родился в Цвиккау (Саксония) 8 июня 1810 года в семье книгоиздателя и писателя Августа Шумана (1773—1826). Первые уроки музыки Шуман брал у местного органиста; в возрасте 10 лет начал сочинять, в частности хоровую и оркестровую музыку. Посещал гимназию в родном городе, где познакомился с произведениями Дж. Байрона и Жан Поля, став их страстным поклонником. Настроения и образы этой романтической литературы со временем отразились в музыкальном творчестве Шумана. В детстве он приобщился к профессиональной литературной работе, составляя статьи для энциклопедии, выходившей в издательстве его отца. Серьёзно увлекался филологией, выполнял предыздательскую корректуру большого латинского словаря. А школьные литературные сочинения Шумана написаны на таком уровне, что были посмертно изданы в качестве приложения к собранию его зрелых журналистских трудов. В определенный период юности Шуман даже колебался, избрать ли ему поприще литератора или музыканта.</p> <p>В 1828 году он поступил в Лейпцигский университет, а в следующем году перешёл в университет Гейдельберга. Он по настоянию матери планировал стать юристом, но музыка всё больше затягивала юношу. Его влекла идея стать концертирующим пианистом. В 1830 году он получил разрешение матери полностью посвятить себя музыке и вернулся в Лейпциг, где надеялся найти подходящего наставника. Там он начал брать уроки фортепиано у Ф. Вика и композиции у Г. Дорна. Стремясь стать настоящим виртуозом, он занимался с фанатичным упорством, но именно это и привело к беде: форсируя упражнения с механическим устройством для укрепления мышц руки, он повредил правую руку. Средний палец перестал действовать и, несмотря на длительное лечение, рука навсегда сделалась неспособной к виртуозной игре на фортепиано. Мысль о карьере профессионального пианиста пришлось оставить. Тогда Шуман серьёзно занялся композицией и одновременно музыкальной критикой. Найдя поддержку в лице Фридриха Вика, Людвига Шунке и Юлиуса Кнорра, Шуман смог в 1834 году основать одно из влиятельнейших музыкальных периодических изданий — «Новый музыкальный журнал», (нем. Neue Zeitschrift f&#252;r Musik) который на протяжении нескольких лет редактировал и регулярно публиковал в нём свои статьи. Он зарекомендовал себя приверженцем нового и борцом с отжившим в искусстве, с так называемыми филистерами, то есть с теми, кто своей ограниченностью и отсталостью тормозил развитие музыки и представлял собой оплот консерватизма и бюргерства.</p> <p>В октябре 1838 года композитор переехал в Вену, однако уже в начале апреля 1839 года вернулся в Лейпциг. В 1840 году Лейпцигский университет присвоил Шуману звание доктора философии. В том же году, 12 сентября в церкви в Шёнфельде состоялось бракосочетание Шумана с дочерью его учителя, выдающейся пианисткой — Кларой Вик. В год бракосочетания Шуманом было создано около 140 песен. Несколько лет совместной жизни Роберта и Клары протекли счастливо. У них родилось восемь детей. Шуман сопровождал жену в концертных поездках, а она, в свою очередь, часто исполняла музыку мужа. Шуман преподавал в Лейпцигской консерватории, учреждённой в 1843 году Ф. Мендельсоном.</p> <p>В 1844 году Шуман вместе с супругой отправился в гастрольную поездку в Санкт-Петербург и Москву, где их принимали с большим почётом. В том же году Шуман переезжает из Лейпцига в Дрезден. Там впервые проявились признаки нервного расстройства. Лишь в 1846 году Шуман поправился настолько, что был в состоянии снова сочинять.</p> <p>В 1850 году Шуман получил приглашение на должность городского директора музыки в Дюссельдорфе. Однако вскоре там начались размолвки, и осенью 1853 года контракт не был возобновлен. В ноябре 1853 года Шуман вместе с женой отправляется в путешествие по Голландии, где его и Клару принимали «с радостью и с почестями». Однако в том же году вновь стали проявляться симптомы болезни. В начале 1854 года после обострения болезни Шуман попытался покончить жизнь самоубийством, бросившись в Рейн, но был спасён. Его пришлось поместить в психиатрическую лечебницу в Энденихе близ Бонна, где он умер 29 июля 1856 года. Похоронен в Бонне.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 18:23:29 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=70#p70 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=69#p69 <p><span style="font-size: 20px"><strong>Осип Козловский, Катерино Кавос, Алексей Верстовский</strong></span><br />Связи русского музыкального театра с определяющими духовную жизнь эпохи идеями особенно усиливаются в годы Отечественной войны 1812 г. и в годы декабристского движения. Тема патриотизма, отраженная в исторических и современных сюжетах, становится основой многих драматических и музыкальных спектаклей. Идеи гуманизма, протест против социального неравенства вдохновляют и оплодотворяют театральное искусство.</p> <p>В начале XIX в. еще нельзя говорить об опере в полном значении этого слова. Большую роль в русском музыкальном театре играют смешанные жанры: трагедия с музыкой, водевиль, комическая опера, опера-балет. До Глинки русская опера не знала произведений, драматургия которых опиралась бы только на музыку без каких-либо разговорных эпизодов.</p> <p>Выдающимся композитором «трагедии на музыке» был О. А. Козловский (1757—1831), создавший музыку к трагедиям Озерова, Катенина, Шаховского. В жанре водевиля успешно работали композиторы А. А. Алябьев (1787—1851) и А. Н. Верстовский (1799—1862), сочинившие музыку к ряду водевилей юмористического и сатирического содержания.<img class="postimg" loading="lazy" src="https://www.fedorov.ws/files/kozlovsky.jpg" alt="http://www.fedorov.ws/files/kozlovsky.jpg" /><br />Опера начала XIX в. развивала традиции предшествующего периода. Характерным явлением были бытовые представления, сопровождавшиеся народными песнями. Примерами подобного рода могут служить представления: «Ям», «Посиделки», «Девишник» и т. п., музыку к которым писал композитор-любитель А. Н. Титов (1769—1827). Но этим далеко не исчерпывалась богатая театральная жизнь эпохи. Тяготение к типичным для того времени романтическим тенденциям выразилось в увлечении общества сказочно-фантастическими спектаклями. Особенным успехом пользовалась «Днепровская русалка» («Леста»), имевшая несколько частей. Музыку к этим операм, составившим как бы главы романа, писали композиторы С. И. Давыдов, К. А. Кавос; отчасти была использована музыка австрийского композитора Кауэра. «Днепровская русалка» долго не сходила со сцены не только благодаря занимательности сюжета, в основных чертах предвосхищающего сюжет пушкинской «Русалки», не только благодаря роскошной постановке, но и благодаря мелодичной, простой и доступной музыке.</p> <p>Итальянскому композитору К. А. Кавосу (1775—1840), с юных лет работавшему в России и приложившему много сил для развития русского оперного исполнительства, принадлежит первая попытка создать историко-героическую оперу. В 1815 г. он поставил в Петербурге оперу «Иван Сусанин», в которой, основываясь на одном из эпизодов борьбы русского народа против польского вторжения в начале XVII в., попытался создать национально-патриотический спектакль. Эта опера отвечала настроениям общества, пережившего освободительную войну против Наполеона. Оперу Кавоса выгодно выделяют среди современных произведений мастерство музыканта-профессионала, опора на русский фольклор, живость действия. Все же она не возвышается над уровнем многочисленных «опер спасения» французских композиторов, шедших на той же сцене; Кавос не смог в ней создать народно-трагической эпопеи, которую создал через двадцать лет Глинка, использовав этот же сюжет.<img class="postimg" loading="lazy" src="https://www.fedorov.ws/files/aliabiev.jpg" alt="http://www.fedorov.ws/files/aliabiev.jpg" /><br />Крупнейшим композитором первой трети XIX в. должен быть признан А. Н. Верстовский, упоминавшийся как автор музыки к водевилям. Его оперы «Пан Твардовский» (пост. в 1828 г.), «Аскольдова могила» (пост. в 1835 г.), «Вадим» (пост. в 1832 г.) и другие составили новый этап развития русской оперы до Глинки. В творчестве Верстовского отразились характерные черты русского романтизма. Русская старина, поэтичные предания Киевской Руси, сказки и легенды лежат в основе его опер. Значительную роль в них играет волшебный элемент. Музыка Верстовского, глубоко почвенная, опирающаяся на народнопесенное искусство, впитала в себя народные истоки в самом широком смысле. Его герои типичны для народного творчества. Будучи мастером оперной драматургии, Верстовский создал романтическикрасочные сцены фантастического содержания. Образцом его стиля может служить опера «Аскольдова могила», сохранившаяся в репертуаре до наших дней. В ней проявились лучшие черты Верстовского — мелодический дар, отличное драматургическое чутье, умение создать живые и характерные образы действующих лиц.</p> <p>Произведения Верстовского принадлежат к доклассическому периоду русской оперы, хотя историческое их значение очень велико: в них обобщены и развиты все лучшие качества предшествующего и современного им периода развития русской оперной музыки.<img class="postimg" loading="lazy" src="https://www.fedorov.ws/files/verstovsky.jpg" alt="http://www.fedorov.ws/files/verstovsky.jpg" /></p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 18:19:19 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=69#p69 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=67#p67 <p>Во&#769;льфганг Амаде&#769;й Мо&#769;царт, полное имя Иога&#769;нн Хризосто&#769;м Во&#769;льфганг Теофи&#769;л Мо&#769;царт (нем. Joannes Chrysostomus Wolfgang Theophilus Mozart [&#712;v&#596;lf&#609;a&#331; ama&#712;deus &#712;mo&#720;tsa&#641;t] немецкое произношение имени (info); 27 января 1756, Зальцбург — 5 декабря 1791, Вена) — австрийский композитор, инструменталист и дирижёр, скрипач-виртуоз, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха.[1] Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы.[1]</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:33:43 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=67#p67 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=66#p66 <p>Галиле&#769;й (Галиле&#769;и) (Galilei) Винченцо (1520-е гг., Санта-Мария-а-Монте, близ Флоренции — 2 июля 1591, Флоренция), итальянский теоретик музыки, композитор, лютнист. Отец Галилео Галилея. Член и активный участник Флорентийской камераты. Учился в Венеции у Джозеффо Царлино (около 1563). Диалог «Фро&#769;нимо»[1] (Fronimo; Венеция, 1569; 2-я редакция: там же, 1584) представляет собой первую полноценную школы игры на лютне. Галилей аргументировал предпочтительность лютни органу тем, что именно она способна выражать «гармонические аффекты, такие, как жёсткость и мягкость, терпкость и сладость, крики, плачи, жалобы и причитания, с таким чудесным изяществом».</p> <p>На формирование музыкально-эстетических воззрений Галилея оказал решающее влияние Джироламо Меи, после чего его отношение к работам Царлино резко изменилось. В трактате «Компендий теоретической музыки» (итал. Compendio nella theorica della musica; рукопись около 1572 года, не опубликована) пришёл к мысли о несовместимости античной и современной ему итальянской музыки, о тщетности реконструкций древности. Критикуя своего учителя, развивал эту мысль в трактате «Диалог о древней и новой музыке» (Dialogo &lt;…&gt; della musica antica et della moderna; Флоренция, 1581)[2]. Ряд трактатов Галилея о гармонии и контрапункте, в том числе «Обсуждение энармоники, как её используют, и того, кто был автором хроматики» (Discorso intorno all’uso dell’enarmonico et de chi fusse autore del cromatico, 1591), критически оценивающий эксперименты соотечественников в микротоновой музыке, не был опубликован при жизни и сохранился в рукописи.</p> <p>Для эстетики Галилея центральной была мысль об утрате присущего античности аффекта в современной музыке, целью которой стало (по его мнению) одно удовольствие, поверхностная приятность. Считал, что традиционный (имитационно-полифонический) контрапункт усложняет восприятие и снижает эффект непосредственного воздействия музыки на душу, вследствие чего активно пропагандировал «монодию», то есть мелодию, понимаемую им как несущий элемент фактуры, главную музыкальную мысль. Теоретические исследования Галилея проложили дорогу музыке Нового времени с её гомофонным складом и равномерно темперированным строем, то есть материей классико-романтической гармонии.</p> <p>В. Галилей — автор двух сборников мадригалов (1574, 1587), многих инструментальных пьес, в основном, для лютни. Среди последних - сборник «Книга лютневой табулатуры» (1584)[3], который содержит (среди прочего) экспериментальную сюиту из 24 тройных «микроциклов» (пассамеццо-романеска-сальтарелла) во всех 12-ти тональностях, т.е. на 12 высотных позициях хроматической гаммы. Авангардные сочинения Галилея в «монодическом» стиле не сохранились.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:30:30 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=66#p66 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=65#p65 <p>Грегорио Аллегри (итал. Gregorio Allegri; 1582, Рим — 17 февраля 1652, Рим) — итальянский композитор и священник, представитель римской школы композиторов.Аллегри начал изучать музыку под руководством Джованни Мария Нанино, близкого друга Джованни Пьерлуиджи да Палестрины. После окончания обучения, в ходе которого Аллегри познакомился с музыкой Палестрины оказавшей на него сильное влияние, он получил место в соборе итальянского города Фермо. Здесь он сочинил большое количество церковных песнопений и другой священной музыки, которая была положительно отмечена римским папой Урбаном VIII, и вознаграждена назначением Аллегри руководителем хора Сикстинской Капеллы в Риме. На этом месте он прослужил с декабря 1629 до самой смерти.</p> <p>Среди музыкальных сочинений Аллегри выделяются два больших цикла концертов для пяти голосов, изданных в 1618 и 1619 годах, два цикла церковных песнопений для шести голосов, изданных в 1621, пять месс и многочисленные другие церковные сочинения, многие из которых так и не были изданы при его жизни. Большая часть изданной музыки Аллегри написана в более прогрессивном стиле раннего Барокко нежели Ренессанса, в особенности инструментальная музыка. Однако, его работа для Сикстинской Капеллы ведет своё начало от стиля Палестрины эпохи позднего Ренессанса.<br />[править]<br />«Miserere»<br />Основная статья: Miserere (Аллегри)</p> <p>Безусловно самое знаменитое сочинение Аллегри — Miserere (Miserere mei, Deus) на текст Псалма н. 50. Произведение написано для для 2-х хоровых составов из пяти и четырёх голосов. Один из хоров поет в средневековом стиле пения Фобордон (от фр. Fauxbourdon) основанном на грегорианском хорале. Второй хор поет схожий Фобордон с существующими ранее разработками и использованием каденций. Miserere исполнялся ежегодно в течение многих лет во время Страстной недели в Сикстинской Капелле. Частое употребление доминирующего септаккорда и его акцент на многохоровых методах делает Miserere новаторским произведением, которое выходит за рамки общепринятой музыкальной практики того времени («prima pratica»).</p> <p>Miserere — один из самых поздних музыкальных шедевров эпохи Возрождения, фактически, оно было написано приблизительно на стыке ренессанса и начала Барокко.</p> <p>Долгое время партитура сочинения была «засекречена» и недоступна для широкой публики, так как Ватикан, хранитель единственной копии рукописи, желал сохранить секрет шедевра в тайне, и запретил копирование Miserere под угрозой отлучения от Церкви. К партитуре имели доступ только музыканты, исполнявшие его один раз в год в Сикстинской Капелле. Дарованием сочинения широкой публике мир обязан гению юного Моцарта посетившего с отцом Ватикан в 1770 году. 14-летний Моцарт, услышавший исполнение Miserere, запомнил его целиком на слух и в точности записал по памяти, таким образом создав первую «контрабандную» копию.</p> <p>В 1771 копия Моцарта была издана в Англии известным путешественником и историком музыки доктором Берни.</p> <p>Оригинальная, ватиканская рукопись была издана значительно позже в Лейпциге издательством Breitkopf and Hartel. Между изданием Моцарта и оригиналом существуют лишь незначительные расхождения.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:29:03 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=65#p65 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=64#p64 <p><span style="font-size: 20px"><strong>Возрождение</strong></span><br /><span style="font-size: 16px">1400—1600</span></p> <p>Все композиторы<br />этой эпохи <br /> </p> <p>Эпоха Возрождения несет в себе идею «возрождения» человека, истоки которой следует искать в эпоху античного Классицизма, когда человек был мерой всех вещей. И, пожалуй, не случайно, что одновременно с возрождением интереса к человеку были сделаны многие открытия, среди которых открытие Америки в 1492 году, первое кругосветное путешествие, зарождение естественных наук под влиянием таких личностей как Коперник, Галилей, Кеплер, изобретение печатного станка Гутенбергом приблизительно в 1455 году. Возрастает интерес к изучению природы и истории. Распространенные в бытовой среде языки проникают в литературу и искусство. Религиозные войны, реформаторская деятельность Лютера и собравшийся в ответ на реформационное движение Тридентский собор в 1545-1563 годах говорят о самоуверенности человека эпохи Возрождения. </p> <p>Литография с изображением Христофора Колумба, заявляющего о своем праве на владение Новым Светом, 1893г. </p> <p>Заседание Тридентского собора, с гравюры.</p> <p>Подражание искусству Античности приводит к простоте в архитектуре и отказу от готических идеалов. В изобразительном искусстве внимание фокусируется на человеческой сущности, естественность идеализируется и становится самоцелью. Развивается Теория Перспективы. Скульпторы создают отдельно стоящие скульптуры. Музыкальный язык композиторов эпохи Возрождения также меняется. Простые мелодии, подчиненные ритму дыхания человека, становятся идеалом. Теперь композиторы создают музыку, которая бы имитировала природу, сопровождала текст в вокальной музыке, как бы поддерживая и отражая содержание. </p> <p>Музыканты того времени много путешествовали, распространяя франко-готские стилевые черты бургундских композиторов, смешанные с английскими и итальянскими веяниями. </p> <p>Среди произведений того времени преобладает полифоническая вокальная музыка. Инструментальная музыка делает лишь нерешительные попытки самостоятельного развития. Полифония по-прежнему понимается как сумма отдельных самостоятельных партий сочетающихся в непрерывной вокализации. Подвижная мелодия и непрерывная имитация, красочные терции и сексты и свободная от тональных тяготений гармония были звуковым идеалом эпохи Возрождения. Формируются аккорды, ставшие основой для использования генерал-баса в музыке эпохи Барокко. </p> <p>Коллекция полифонических гимнов и магнификатов Костанцо Фесты, наиболее ранняя из подобных коллекций, сохранившихся с тех времен в архивах Ватикана.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:24:00 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=64#p64 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=63#p63 <p>Джон Доуленд (John Dowland) (1563 - февраль 1626) - английский композитор, певец, поэт, лютнист. Известен сейчас главным образом как создатель &quot;меланхоличных песен&quot;, а также своей инструментальной музыкой, которая в изменённом виде была источником репертуара для классических гитаристов 20-го века.</p> <p>Мало известно о ранних годах жизни Доуленда, но скорее всего он родился в Лондоне (как варианты предлагались также Вестминстер и окрестности Дублина). В 1580 Доуленд отправился в Париж, где служил сэру Генри Кобхаму, английскому послу при французском дворе, а затем его преемнику сэру Эдварду Стаффорду. В Париже он стал католиком. В 1588 году в Оксфордском университете Доуленд получил звание бакалавра музыки. В 1592 он сопровождает Королеву Елизвету I в её путешествии по европейским городам, в том числе в Венецию и Флоренцию. В 1594 Доуденд собирался занять должность лютниста при английском дворе, но попытка была неудачной, он утверждал, что причиной отказа была его католическая вера, которая не принималась в протестантской Англии, однако, в это время много известных музыкантов-католиков служили при дворе Елизаветы I (например, Уильям Бёрд).</p> <p>С 1598 Доуленд работал у Короля Дании Кристиана IV, но его работы продолжали печататься в Англии. Королю Кристиану очень нравилась музыка и он платил Доуленду астрономическую сумму в 500 талеров в год, Доуленд был одним из самых высокооплачиваемых служащих датского королевства. Несмотря на это он не идеально относился к своим обязанностям, часто отлучался в Англию для издания своих произведений и к своей семье, которая всегда оставалась в Англии, был уволен в 1606 и вернулся в Англию. В начале 1612 он получил должность придворного лютниста при Короле Англии Якове I и служил ему до конца жизни. Джон Доуленд умер в Лондоне в 1626, известна лишь точная дата его захоронения - 20 февраля 1626. Его сын Роберт Доуленд, который так же стал музыкантом, занял должность придворного лютниста после смерти отца.</p> <p>В 1597 Доуленд опубликовал свою &quot;Первую книгу песен&quot; в Лондоне. Это была одна из самых влиятельных и важных музыкальных публикаций в истории лютни. В этот сборник вошли как сольные произведения для лютни, так и различные комбинации лютни с другими инструментами и с голосом. В 1600, 1603 и 1604 выходят еще три сборника его песен. В 1609 выходит его перевод &quot;Микрологуса&quot; - средневекового трактата о григорианском хорале и музыке. Самая последняя и, возможно, лучшая работа Доуленда &quot;Утешение пилигрима&quot; была опубликована в 1612 и в основном это сборник контрапунктической музыки, чем сольные призведения для лютни.</p> <p> В 20-м веке музыка Доуленда пережила своё воскрешение - как в связи с общим ростом интереса к музыкальной культуре барокко, так и благодаря расширению репертуара академической гитары за счёт лютневой музыки. Знаменитая вариация на тему Доуленда была сочинена Бенджамином Бриттеном для гитариста и лютниста Джулиана Брима. Песни Доуленда исполняли Элвис Костелло и Стинг.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:20:49 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=63#p63 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=62#p62 <p>Карло Джезуальдо (или Джезуальдо да Веноза) (Carlo Gesualdo or Gesualdo da Venosa) (08.03.1566 - 08.09.1613) - князь Венозы, итальянский композитор и лютнист переходного периода между Возрождением и Барокко. Он известен своими чрезвычайно выразительными мадригалами в хроматическом стиле, а также тем, что совершил одно из самых громких убийств на почве ревности.</p> <p>Джезуальдо был членом старинного аристократического рода. Скорее всего, он родился в Венозе, которая тогда была частью Неаполитанского королевства, но мало что известно о его ранней жизни. Даже дата его рождения - 1560, 1561 или 1566 - только недавно была уточнена благодаря обнаруженным письмам его матери. Обучаться музыке он начал с самого раннего возраста, проявив целеустремлённую преданность, и мало интересовался чем-либо ещё. В круг его учителей, коллег и друзей (в его &quot;академию&quot;) входили Помпонио Ненна, Жан де Мак, Сципионе Дентице, Сципионе Стелла, Сципионе Лакорсия, Асканио Майон и другие, в основном неаполитанские музыканты.<br />На формирование стиля Джезуальдо оказал влияние феррарский придворный композитор Луццаско Луццаски. В дополнение к лютне, он также играл на клавесине и гитаре.</p> <p>В 1586 Джезуальдо женился на своей двоюродной сестре Марии д’Авалос, дочери маркиза Пескара. Два года спустя она завела роман с Фабрицио Карафа, герцогом Андрии. В течение двух лет Джезуальдо ничего не знал об этой любовной связи (хотя об этом знали даже за границей).<br />16 октября 1590 он неожиданно возвращается с охоты во дворец в Неаполе и застаёт любовников в постели. Он убил их обоих и выбросил изуродованные тела перед дворцом. Будучи дворянином он не мог быть арестован, тем не менее ему пришлось уехать в свой замок в Джезуальдо, спасаясь от возможной мести родственников жены и её любовника. Это убийство получило широкую огласку, обрастая слухами и вымыслами, в том числе и в стихах поэтов, таких как знаменитый Торквато Тассо и многих других, которые приписывали ему и убийство его второго сына-младенца и отца жены.</p> <p>В 1594 Джезуальдо женился на Леоноре д'Эсте, племяннице герцога Альфонсо II из Феррары и в этом же году переехал в Феррару ко двору герцога. Феррара была одним из центров прогрессивной музыкальной деятельности Италии, Джезуальдо был заинтересован во встрече с Луццаско Луццаски, одним из перспективных композиторов в жанре мадригалов. Боле двух лет он участвовал в авангардной творческой жизни Феррары, в окружении лучших музыкантов Италии, одним из которых был юный Джироламо Фрескобальди, на которого очень большое влияние оказали мадригалы Джезуальдо. Здесь за два года он выпустил свои первые четыре книги мадригалов.<br />Кроме того, он работал с &quot;Женским концертом&quot;, 3-мя виртуозными певицами, которые были одними из самых известных исполнителей в Италии. Для них он написал несколько произведений в новом монодийном стиле, к сожалению, большинство из них не сохранилось.</p> <p> В 1597 Джезуальдо с женой возвратились в своё поместье в Джезуальдо. Вернувшись в свой замок, Джезуальдо пытался сделать из него подобие Феррары, с виртуозными музыкантами и композиторами. Он предложил некоторым известным музыкантам работать у него, он был очень богат и мог себе это позволить. Его замок стал музыкальным центром, но сам Джезуальдо редко покидал его, не радуясь ничему, кроме музыки. Самые известные его хроматические произведения были созданы в этот период самоизоляции и опубликованы в Неаполе в 1603 и в 1611.</p> <p>&#160; Новый брак Джезуальдо не был счастливым, в 1600 умер их сын, жена обвиняла его в жестоком обращении, пыталась развестись с ним и часто уезжала к брату в Модену (видимо, она была очень добродетельная дама, раз Джезуальдо не убил её). В конце жизни Джезуальдо страдал от депрессии и безумия, испытывая вину за случившееся убийство. Он избивал слуг и писал странные письма кардиналу, чтобы тот вернул останки его святого дяди, надеясь получить излечение от психических расстройств и, возможно, прощение за свои преступления. Карло Джезуальдо умер в одиночестве в своём замке 8 сентября 1613 и похоронен в часовне Святого Игнатия церкви Джезу Нуово в Неаполе. Церковь была разрушена во время землетресения в 1688 году и могила была утеряна, осталась только мемориальная доска.</p> <p>Доказательства того, что Джезуальдо испытывал вину всю оставшуюся жизнь, отражены в его творчестве. Одна из самых очевидных особенностей текстов его мадригалов это экстремальные эмоции, выраженные в словах: &quot;любовь&quot;, &quot;боль&quot;, &quot;смерть&quot;, &quot;экстаз&quot;, &quot;агония&quot; и других подобных. И хотя эти слова и эмоции были распространены, но в музыке Джезуальдо они достигли крайнего развития. Тексты для мадригалов скорее всего он сочинял сам. Его музыка является одной из наиболее экспериментальных и выразительных и самой широко хроматической конца эпохи Возрождения, таких прогрессий и тональности не появлялось в музыке до 19-го века.</p> <p> Опубликованная музыка Джезуальдо разделяется на три категории: духовная вокальная музыка, светская вокальная музыка, инструментальная музыка. Наиболее известные композиции его опубликованы в шести книгах мадригалов (между 1594 и 1611), а также его духовная музыка &quot;Tenebrae Responsoria&quot; (1611), которая очень похожа на мадригалы, только использует священные тексты. В дополнение к работам, которые он опубликовал, он оставил большое количество музыки в рукописях, эти документы содержит некоторые из его богатых экспериментов в хроматике, а также композиции в современной форме монодии. Некоторые из них были написаны в Ферраре для &quot;Женского концерта&quot;.</p> <p>Первые книги мадригалов Джезуальдо близки по стилю с работами других современников-мадригалистов. Эксперименты с гармонической прогрессией начались в пятой и шестой книгах, содержащих наиболее известные и яркие примеры (например, мадригалы &quot;Moro, lasso, al mio duolo&quot; и &quot;Belta, poi che t'assenti&quot;, оба из шестой книги, опубликованной в 1611).</p> <p>Стиль Джезуальдо характеризуется отдельными секциями, в которых сравнительно медленный темп чередуется с быстрыми диатоническими пассажами. Текст тесно связан с музыкой, с отдельными интонационно выделенными словами. Некоторые хроматические пассажи включают все 12 нот хроматической гаммы в пределах одной фразы, хотя и разделены по разным голосам.</p> <p>Карло Джезуальдо не оказал существенного влияния на музыку своего времени, хотя такие композиторы, как Сиджизмондо д'Индия, Антонио Чифра, написали несколько произведений в подражание его стилю. И только в 20 веке его работы были заново оценены и стали предшественниками более поздних, выразительных и технически сложных музыкальных стилей.</p> <p>Жизнь Джезуальдо стала вдохновением для многих художественных и музыкальных драм, в их числе роман Анатоля Франца, рассказ Хулио Кортасара, оперы Франца Гуммеля. Кроме того, в двадцатом веке композиторы откликнулись на его музыку: Альфред Шнитке написал оперу &quot;Джезуальдо&quot; в 1995, основываясь на событиях его жизни, Игорь Федорович Стравинский создал &quot;Мадригальную симфонию&quot; - &quot;Монумент Джезуальдо ди Веноза&quot; к 400-летию композитора. Есть и другие музыкальные, литературные и кинематографические материалы, посвященные жизни и творчеству Карло Джезуальдо.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:19:37 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=62#p62 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=61#p61 <p>Лодовико Гросси да Виадана (Lodovico Grossi da Viadana)(как правило, Лодовико Виадана, хотя его фамилия была Гросси; ок.1560 - 02.05.1627) - итальянский композитор, педагог, монах-францисканец. Он был первым значимым композитором, широко использовавшим недавно разработанную методику генерал баса - один из методов, который определил конец эпохи Возрождения и начало эпохи Барокко в музыке.<br />Он родился в Виадане, город в провинции Мантуя. Лодовико был членом семьи Гросси, но взял фамилию Виадана по городу, где он родился и где вступил в орден монахов-францисканцев в 1588. Несмотря на отсутствие современных доказательств, он утверждал, что учился у Костансо Порта - венецианского композитора. В 1594 стал хормейстером кафедрального собора в Мантуе. В 1597 он отправился в Рим, но вернулся в Мантую в 1602 и стал хормейстером в соборе Св.Луки. Он сменил несколько должностей в различных соборах в Италии, в том числе &quot;Конкордия&quot; (недалеко от Венеции) и Фано, на восточном побережье Италии, где был капельмейстером с 1610 по 1612. В течение трех лет, 1614-1617, он служил в своём религиозном ордене, который охватывал всю большую территорию Северной и Центральной Италии. В 1623 он переехал в Буссето, а позже он работал в монастыре Св.Андрея в Гвальтьери, недалеко от Пармы, где умер в 1627.</p> <p>Виадана играет важную роль в развитии техники генерал баса (баса континуо) в период раннего Барокко, его письменный метод известен как цифрованный бас. Хотя он не изобретатель цифрованног баса (долгое время ошибочно считалось, что он изобретатель), первые упоминания об этом методе находят ещё в 1597 - Виадана первым начал использовать его в своей известной коллекции духовной музыки «Сто церковных концертов» (Cento concerti ecclesiastici), опубликованной в Венеции в 1602. Последователь Виаданы - Агостино Агаццари в 1607 опубликовал трактат, описывающий, как интерпретировать новый цифрованный бас, хотя ясно, что к этому времени многие исполнители уже узнали новый метод, по крайней мере в самых прогрессивных музыкальных центрах Северной Италии.</p> <p>Виадана сочинил огромное количество музыки, преимущественно церковной: мессы, псалмы, магнификаты, мотеты и плачи, а также есть две его книги светских канцоннет (одна для трёх, другая для четырёх голосов) и книга инструментальных симфоний, которые на самом деле больше похожи на типичные канцоны (в тот период терминология была свободной: что один композитор называл симфония, другой мог назвать фантазия, канцона, или ричеркар). Ограниченное количество светской музыки объясняется членством в строгом религиозном ордене.</p> <p>Его ранняя музыка выполнена в стиле Возрождения, строго полифоническая а капелла со сбалансированными голосами, но после 1602 он пишет в стиле раннего Барокко, с частыми согласованными пассажами и всегда с бассо континуо. В более поздних работах он использует монодический стиль, а некоторые его сборники псалмов выполнены в прогрессивном Венецианском многохоровом стиле. Кроме того, некоторые его последние работы предвосхищают будущий инструментальный концерт: он указывает конкретные инструменты и вовлекает их в возвратно-поступательный диалог между группами голосов и инструментов, что ещё широко не применялось на практике.</p> <p>Музыка Виаданы повлияла на развитие музыки не только в Италии, но и в Германии. Немецкие композиторы, такие как Михаил Преториус, Иоганн Шейн и Генрих Шютц стали развивать этот стиль в начале 17-го века ещё охотнее, чем итальянцы.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:18:56 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=61#p61 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=60#p60 <p>Бартоломео Барбарино (Bartolomeo Barbarino (известен как &quot;Il Pesarino&quot;) (ок.1568 - ок.1617 или позже) - итальянский композитор, органист, виртуозный певец (фальцет), один из популяризаторов нового стиля монодии.<br />Ничего не известно о его детстве, но, возможно, он родился в городе Фабриано в центральной Италии, его дату рождения можно установить, опираясь на воспоминания современников от 1608, где его возраст указывается как &quot;около 40&quot;. Он работал в разных местах, постоянно повышая свою известность. Первое упоминание о нем от 1593, когда он работал певцом в базилике Санта-Каса в городе Лорето. До 1602 Барбарино был в Урбино, где он служил герцогу Урбино, с 1602 по 1605 он работал органистом собора в Пезаро, а затем всё время работал в Падуе для епископа Падуи. </p> <p>В 1608 он посетил Венецию, чтобы принять участие в фестивале в Сан-Рокко, очевидно, что он к этому времени был очень известным певцом, так как считался одним из самых уважаемых гостей фестиваля. Известный английский путешественник и писатель Томас Кориат так описывает его выступление: &quot;Из певцов было трое настолько превосходных, что я думаю почти никто в Христианском мире не сравнится с ними, особенно один, у кого был такой восхитительный и сверхестественный сладкий голос, что я думаю никогда не было лучшего певца в мире ... Сначала я думал, что он кастрат, и если бы он был им, то это уменьшило бы часть моего восхищения, но он не был - поэтому это ещё более великолепно&quot;.</p> <p>В предисловии к одной из своих книг песен Барбарино пишет, что он будет петь свои произведения под аккомпанемент теорбы (устаревший тип большой лютни) &quot;для моего голоса звенящего и хрупкого&quot;. Почти вся музыка Барбарино создана в монодийном стиле, основанном на принципах Каччини, с использованием одного виртуозного голоса под инструментальный аккомпанемент с бассо континуо. Что необычно для его времени, он часто указавает инструменты, которые лучше всего использовать в качестве аккомпанемента, например, лютня, теорба и клавесин. Его последнее собрание сочинений - книга мадригалов датируется 1617, предназначены для 3 голосов, также в сопровождении генерал-баса.</p> <p>Барбарино опубликовал две книги мотетов, обе в Венеции, а также 13 отдельных священных пьес; также он опубликовал пять книг мадригалов и одну книгу канцонет, в общей сложности более 150 произведений. Он часто создавал две разные версии для сольного голоса в каждой работе: одну с богатым орнаментом и очень сложным исполнением (скорее всего для собственного исполнения), а также упрощенную версию, предназначенную для менее способных певцов.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:18:14 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=60#p60 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=59#p59 <p>Томас Лупо (старший) (Thomas Lupo) (крещен 07.08.1571 - 12.1627) - английский композитор и виолонист. Наряду с Орландо Гиббонсом, Джоном Копрарио и Альфонсо Феррабоско он был одним из ведущих составителей репертуара для виолы.<br />Он был членом известной семьи музыкантов, состоящей из несколько поколений. Его отец Иосиф Лупо, композитор и игрок на струнных инструментах, был родом из Венеции, затем переехал в Антверпен, а потом в Лондон. Томас Лупо родился в Лондоне. </p> <p>В 1588, в возрасте 16 лет он в составе группы музыкантов уже выступал при дворе Королевы Англии Елизаветы I, но не получал жалованья до получения своей первой официальной должности в 1591. Он оставался придворным музыкантом в различных вариантах всю жизнь, служа Елизавете I, Якобу I и принцам Генриху (после 1610) и Чарльзу (после 1617). Томас Лупо умер в Лондоне в 1627. </p> <p>Лупо является одной из главных фигур в развитии репертуара для виолы, кроме того он был заметным композитором, сочинявшим духовную вокальную музыку. Он написал много музыки для струнного придворного ансамбля, однако большинство его произведений было утеряно, но существует много анонимного репертура для этого ансамбля, автором которого, возможно, был Лупо.</p> <p>Большая часть сохранившейся музыки относится к периоду его работы у принца Чарльза. Многие произведения используют контрапунктический и текстурный стиль, напоминающий итальянские мадригалы, особенно произведения для 5 и 6 голосов: в частности, он имитировал стиль Маренцио, чьи произведения были хорошо известны в Англии.</p> <p>Его ансаблевую музыку можно назвать экспериментальной, с редкими комбинациями, не используемыми композиторами того времени, такими как три басовых или три дискантных линии вместе, некоторая музыка написана для сопровождения органа. </p> <p>Конкретные виды инструментальных композиций Лупо включают фантазии (12 с 6 частями, 35 с 5 частями, 13 с 4 частями и 24 с 3 частями), паваны, гальярды, аллеманды (танец). Некоторые из фантазий являются прямыми переложениями итальянских мадригалов.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 17:17:24 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=59#p59 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=58#p58 <p>Фортепиано — клавишный струнный музыкальный инструмент. Фортепиано является классом клавишно-струнных музыкальных инструментов — роялей и пианино. Название произошло от итал. forte — «громко» и piano — «тихо».<br />История, происхождение</p> <p>Предшественниками фортепиано были клавесины и изобретённые позднее клавикорды. Их недостатками были быстро затухающий звук, что мешало игре legato, и постоянный уровень громкости, что исключало одно из важных выразительных средств музыки — динамику (изменение громкости).</p> <p>Механика современного фортепиано была изобретена итальянским мастером Кристофори около 1709 года, в его конструкции молоточки находились под струнами. Конструкция была названа gravicembalo col piano e forte, откуда современное название. Похожие системы были разработаны Мариусом во Франции (1716 год) и Шрётером в Германии (1717—1721 годы).</p> <p>Эрар изобрёл механику с двойной репетицией, которая позволяла извлекать звук при быстром повторном нажатии клавиши (в предыдущих инструментах молоточек медленно отходил от струны, и это было невозможно). В ходе развития к инструменту были добавлены педали.</p> <p>В России производство фортепиано связано с деятельностью мастеров Тишнера и Вирты в 1818—1820 годах.</p> <p>Сегодня крупные производители фортепиано имеют свои, немного различающиеся, версии фортепианной механики.</p> <p>В XX веке появились принципиально новые инструменты — электронные пианино и синтезаторы, а также особая форма звукоизвлечения — подготовленное фортепиано.</p> <p>Первое музыкальное произведение, написанное специально для фортепиано, появилось в 1732 году (соната Лодовико Джустини). Однако в массовом порядке композиторы начали ориентироваться на фортепиано, а не на клавесин, сорока-пятьюдесятью годами позже, во времена Гайдна и Моцарта.<br />Устройство современного фортепиано</p> <p>Фортепианная механика</p> <p>Звук в фортепиано извлекается ударением молоточка о струны. Струны с помощью колков натянуты на резонансную деку (в пианино дека находится в вертикальном положении, в роялях — в горизонтальном). Для каждого звука существует хор струн: три для среднего и высокого диапазонов, две или одна — для нижнего.</p> <p>Диапазон большинства фортепиано составляет 88 полутонов от ля субконтроктавы до до 5-й октавы (более старые инструменты могут ограничиваться нотой ля 4-й октавы сверху; можно встретить инструменты и с более широким диапазоном). В нейтральном положении струны, кроме последних полутора—двух октав, соприкасаются с демпферами.</p> <p>При нажатии клавиш в действие приводится устройство из рычагов, ремешков и молоточков, называемое фортепианной механикой. После нажатия от соответствующего хора струн отделяется демпфер, чтобы струна могла свободно звучать, и по нему ударяет молоточек, обитый фильцем (войлоком).</p> <p>Педали Фортепиано</p> <p>В современных фортепиано присутствует две или три педали. В более ранних инструментах для тех же целей использовались выдвижные рычаги, которые пианист должен был нажимать коленями.</p> <p>Правая педаль (её называют иногда просто «педалью», так как используется она наиболее часто) поднимает сразу все демпферы, так что после отпускания клавиши соответствующие струны продолжают звучать. Кроме того, все остальные струны инструмента также начинают вибрировать, становясь вторичным источником звука.</p> <p>Правая педаль используется в двух целях: сделать последовательность извлекаемых звуков неразрывной (игра legato) там, где это невозможно сделать пальцами в силу технических сложностей, и обогатить звук новыми обертонами.</p> <p>Существует два способа использования педали: прямая педаль — нажатие педали перед нажатием клавиш, которые нужно задержать, и запаздывающая, когда педаль нажимается сразу после нажатия клавиши и до того, как её отпустили.</p> <p>В нотах эта педаль обозначается буквой P (или сокращением Ped.), а её снятие — звёздочкой. В музыке композиторов эпох романтизма и импрессионизма часто встречаются эти обозначения, обычно для придания звуку особого колорита.</p> <p>Левая педаль используется для ослабления звучания. В роялях это достигается сдвигом молоточков вправо, так что вместо трёх струн хора они ударяют только по двум (в прошлом иногда только по одной). В пианино молоточки приближаются к струнам. Эта педаль используется значительно реже.</p> <p>В нотах она обозначается пометкой una corda, её снятие — пометкой tre corde или tutte le corde. Кроме ослабления звучания, использование левой педали при игре на рояле позволяет смягчить звук, сделать его более тёплым и красивым за счет вибрации освободившихся струн хора.</p> <p>Средняя педаль (или третья, так как исторически она была добавлена последней), или педаль sostenuto, служит для избирательного поднятия демпферов. При нажатой средней педали демпферы, поднимаемые при нажатии клавиш, остаются поднятыми до снятия педали. Она, как и правая педаль, может служить для игры legato, но не будет обогащать звук вибрацией остальных струн.</p> <p>Сегодня эта педаль отсутствует у большинства пианино и присутствует у большинства роялей. Встречаются пианино, в которых средняя педаль «задвигается» влево и таким образом фиксируется, при этом между молоточками и струнами помещается специальная ткань, из-за которой звук становится очень тихим, что позволяет музыканту играть, например, ночью.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 11:00:42 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=58#p58 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=57#p57 <p>Гитара — струнный щипковый музыкальный инструмент, один из самых распространённых в мире. Применяется в качестве аккомпанирующего инструмента во многих музыкальных стилях, а также как сольный классический инструмент. Является основным инструментом в таких стилях музыки, как блюз, кантри, фламенко, рок-музыка и многих формах популярной музыки. Изобретённая в XX веке электрическая гитара оказала сильное воздействие на массовую культуру.</p> <p>Исполнитель на гитаре называется гитарист. Человек, изготовляющий и ремонтирующий гитары, называется гитарный мастер или лютье.<br />Устройство</p> <p>Основные части</p> <p>Гитара представляет собой корпус с длинной плоской шейкой, называемой «гриф». Лицевая, рабочая сторона грифа — плоская либо слегка выпуклая. Вдоль нее натянуты струны, закрепленные одним концом на корпусе, другим на окончании грифа, которое называется «голова» или «головка» грифа.</p> <p>На корпусе струны крепятся неподвижно посредством подставки, на головке грифа с помощью колкового механизма, позволяющего регулировать натяжение струн.</p> <p>Струна лежит на двух порожках, нижнем и верхнем, расстояние между ними, определяющее длину рабочей части струны, является мензурой гитары.</p> <p>Верхний порожек находится в верхней части грифа, около головки. Нижний устанавливается на подставке на корпусе гитары. В качестве нижнего порожка могут использоваться т. н. «седла» — простые механизмы, позволяющие регулировать длину каждой струны.</p> <p>Лады</p> <p>Источником звука в гитаре являются колебания натянутых струн. Высота извлекаемого звука определяется силой натяжения струны, длиной колеблющейся части и толщиной самой струны. Зависимость здесь такая — чем тоньше струна, чем короче и чем сильнее натянута — тем выше она звучит.</p> <p>Основной способ управления высотой звука при игре на гитаре — это изменение длины колеблющейся части струны. Гитарист прижимает струну к грифу, вызывая сокращение рабочей части струны и повышение издаваемого струной тона (рабочей частью струны в данном случае будет являться часть струны от нижнего порожка до пальца гитариста). Сокращение длины струны вдвое вызывает повышение тона на октаву.</p> <p>В современной западной музыке используется равномерно темперированный звукоряд. Для облегчения игры в таком звукоряде в гитаре используются т. н. «лады». Лад — это отрезок грифа с длиной, вызывающей повышение звука струны на один полутон. На границе ладов в грифе укрепляются металлические ладовые порожки. При наличии ладовых порожков изменение длины струны и, соответственно, высоты звука, становится возможным только дискретным образом.</p> <p>Струны</p> <p>В современных гитарах используются металлические либо нейлоновые струны. Струны обозначаются номерами в порядке увеличения толщины струны (и понижения тона), самая тонкая струна имеет номер 1.</p> <p>В гитаре используется комплект струн — набор струн разной толщины, подобранных таким образом, чтобы при одном натяжении каждая струна давала звук определённой высоты. Струны устанавливаются на гитару в порядке толщины — толстые струны, дающие более низкий звук — слева, тонкие — справа. Для гитаристов-левшей порядок струн может меняться на обратный. Комплекты струн также различаются по толщине. Несмотря на то, что существует довольно много различных вариаций толщины разных струн в комплекте, обычно достаточно знать толщину лишь первой струны (самая популярная — 0,009&#8243;, «девяточка»).</p> <p>Стандартны строй гитары</p> <p>Соответствие номера струны и музыкальной ноты, издаваемой этой струной, называется «строй гитары» (настройка гитары). Существует множество вариантов строев, подходящих для разных типов гитар, разных жанров музыки и разных техник исполнения. Наиболее известным и распространенным является так называемый «стандартный строй» (стандартная настройка), подходящий для 6-струнной гитары. В этом строе струны настраиваются следующим образом:</p> <p>1-я струна — нота «ми» первой октавы (e1)<br />2-я струна — нота «си» малой октавы (h)<br />3-я струна — нота «соль» малой октавы (g)<br />4-я струна — нота «ре» малой октавы (d)<br />5-я струна — нота «ля» большой октавы (A)<br />6-я струна — нота «ми» большой октавы (E)<br />Техника игры на гитаре</p> <p>При игре на гитаре гитарист зажимает пальцами левой руки струны на грифе, а пальцами правой извлекает звук одним из нескольких способов. Гитара при этом находится перед гитаристом (горизонтально или под углом, с грифом, поднятым до 45 градусов) опираясь на колено либо висит на ремне, перекинутом через плечо.</p> <p>Гитаристы-левши переворачивают гитару грифом вправо и меняют функции рук — зажимают струны правой рукой, извлекают звук — левой. Далее названия рук приведены для гитариста-правши.</p> <p>Звукоизвлечение</p> <p>Основным способом звукоизвлечения на гитаре является щипок — гитарист зацепляет кончиком пальца или ногтем струну, слегка оттягивает и отпускает. При игре пальцами применяют две разновидности щипка: апояндо — с опорой на соседнюю струну и тирандо — без опоры.</p> <p>Также гитарист может с небольшим усилием ударить сразу по всем или по нескольким соседним струнам. Этот способ звукоизвлечения называется удар. Также распространено название «бой».</p> <p>Медиатор</p> <p>Щипок и удар могут исполнятся пальцами правой руки или же с помощью специального приспособления, называемого «плектр» (или медиатор). Плектр представляет собой небольшую плоскую пластину из твердого материала — кости, пластмассы или металла. Гитарист держит его в пальцах правой руки и защипывает или ударяет им струны.</p> <p>Во многих современных стилях музыки широко применяется способ звукоизвлечения слэп, когда струна начинает звучать от удара о ладовые порожки. Для этого гитарист либо сильно ударяет большим пальцем по отдельной струне, либо подцепляет и отпускает струну. Эти приёмы называются слэп (удар) и поп (подцеп) соответственно. Преимущественно слэп применяется при игре на бас-гитаре.</p> <p>Также возможен способ звукоизвлечения, когда струна начинает звучать от удара о ладовый порожек при ее резком зажатии. Такой способ звукоизвлечения называется «тэппинг». При игре тэппингом звукоизвлечение может осуществляться обеими руками.</p> <p>Левая рука</p> <p>Левой рукой гитарист обхватывает гриф снизу, опираясь большим пальцем на его тыльную сторону. Остальные пальцы используются для зажимания струн на рабочей поверхности грифа. Пальцы обозначаются и нумеруются следующим образом: 1 — указательный, 2 — средний, 3 — безымянный, 4 — мизинец. Положение кисти руки относительно ладов называется «позиция» и обозначается римской цифрой. Например если гитарист зажимает 2-ю струну 1-м пальцем на 4 ладу, то говорят, что рука находится в IV позиции. Незажатая струна называется «открытая».</p> <p>Большое баррэ</p> <p>Струны зажимаются подушечками пальцев, таким образом, одним пальцем гитарист имеет возможность зажать одну струну на одном ладу (однако существуют аккорды, в которых, помимо большого баррэ, зажатого первым пальцем, необходимо зажать на одном ладу две струны вторым пальцем). Исключением является указательный палец (а иногда и другие пальцы), который можно «положить» на гриф «плашмя» и зажать таким образом сразу несколько, или даже все струны на одном ладу. Этот весьма распространенный приём называется «баррэ».</p> <p>Различают большое баррэ (полное баррэ), когда гитарист зажимает все струны, и малое баррэ (полубаррэ), когда гитарист зажимает меньшее количество струн (вплоть до 2). Остальные пальцы во время применения баррэ остаются свободными и могут использоваться для зажатия струн на других ладах.</p> <p>Приёмы</p> <p>Кроме описаной выше основной техники игры на гитаре, существуют разнообразные приёмы широко применяемые гитаристами в разных стилях музыки.</p> <p>Арпеджио (перебор) — последовательное извлечение звуков созвучия. Исполняется путем последовательного защипывания разных струн одним или несколькими пальцами.</p> <p>Арпеджиато — очень быстрое последовательное извлечение звуков аккорда, расположенные на разных струнах.</p> <p>Тремоло — очень быстрое многократное повторение щипка, без смены ноты.</p> <p>Легато — слитное исполнение нот. На гитаре исполняется с помощью левой руки.</p> <p>Восходящее легато — уже звучащая струна зажимается резким и сильным движением пальца левой руки, звук при этом не успевает прекратиться.</p> <p>Нисходящее легато — палец сдергивается со струны, слегка подцепляя ее при этом.</p> <p>Бенд (подтяжка) — повышение тона ноты путем поперечного смещения струны по ладовому порожку. В зависимости от опыта гитариста и используемых струн этим приёмом можно повысить извлекаемую ноту на полтора-два тона.</p> <p>Вибрато — периодическое незначительное изменение высоты извлекаемого звука. Исполняется с помощью колебаний кисти левой руки вдоль грифа, при этом изменяется сила нажатия на струну, а также сила ее натяжения и соответственно высота звука. Другой способ исполнить вибрато — последовательное периодическое исполнение приёма «бенд» на небольшую высоту.</p> <p>Глиссандо — плавный переход между нотами. В гитаре возможно между нотами расположенными на одной струне и исполняется перемещением руки из одной позиции в другую не отпуская пальца, прижимающего струну.</p> <p>Стаккато — Короткое отрывистое звучание нот. Исполняется путем глушения струн правой либо левой рукой.</p> <p>Тамбурин — перкуссионный приём, заключается в постукивании по струнам в районе подставки, пригоден для гитар с полым корпусом, акустических и полуакустических.</p> <p>Гольпе — еще один перкуссионный приём, постукивание ногтем по деке акустической гитары, во время игры. Применяется в основном в музыке фламенко.</p> <p>Флажолет — заглушение основной гармоники струны путем прикосновения к звучащей струне точно в месте, делящем ее на целое число частей. Различают натуральные флажолеты, исполняемые на открытой струне и искусственные, исполняемые на зажатой струне.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 10:57:33 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=57#p57 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=56#p56 <p><strong>&#9643; Арканджело Корелли<br />&#9643; Антонио Вивальди<br />&#9643; Джузеппе Тартини<br />&#9643; Жан-Мари Леклер<br />&#9643; Джованни-Батиста Виотти<br />&#9643; Иван Евстафьевич Хандошкин<br />&#9643; Никколо Паганини<br />&#9643; Людвиг Шпор<br />&#9643; Шарль-Огюст Берио<br />&#9643; Анри Вьетан<br />&#9643; Алексей Фёдорович Львов<br />&#9643; Генрик Венявский<br />&#9643; Пабло Сарасате<br />&#9643; Фердинанд Лауб<br />&#9643; Йозеф Иоахим<br />&#9643; Леопольд Ауэр<br />&#9643; Эжен Изаи<br />&#9643; Фриц Крейслер<br />&#9643; Жак Тибо<br />&#9643; Олег Каган<br />&#9643; Джордже Энеску<br />&#9643; Мирон Полякин<br />&#9643; Михаил Эрденко<br />&#9643; Яша Хейфец<br />&#9643; Давид Ойстрах<br />&#9643; Иегуди Менухин<br />&#9643; Леонид Коган<br />&#9643; Генрик Шеринг<br />&#9643; Юлиан Ситковецкий<br />&#9643; Михаил Вайман<br />&#9643; Виктор Третьяков<br />&#9643; Гидон Кремер<br />&#9643; Максим Венгеров<br />&#9643; Янош Бихари<br />&#9643; Andrew Manze<br />&#9643; Пинхас Цукерман<br />&#9643; Ицхак Перлман</strong></p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 10:55:01 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=56#p56 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=55#p55 <p>Скрипка — струнный смычковый музыкальный инструмент высокого регистра.</p> <p>Скрипкам принадлежит ведущее место среди струнных смычковых — важнейшей части современного симфонического оркестра. Пожалуй, ни один другой инструмент не обладает таким сочетанием красоты, выразительности звука и технической подвижности.</p> <p>В оркестре скрипка выполняет разнообразные и многосторонние функции. Очень часто скрипки благодаря их исключительной певучести используются для мелодического “пения”, для ведения основной музыкальной мысли. Великолепные мелодические возможности скрипок были издавна обнаружены композиторами, и прочно утвердились в этой роли уже у классиков XVIII века.<br /><br /><br /></p> <p>Названия скрипки на других языках:<br /><strong>&#9643; violino (итальянский);<br />&#9643; violon (французский);<br />&#9643; violine или geige (немецкий);<br />&#9643; violin или fiddle (английский).</strong></p> <p>К самым знаментым скрипичным мастерам относятся такие личности как Антонио Страдивари, Никколо Амати и Джузеппе Гварнери.<br />Происхождение, история скрипки</p> <p>Скрипка имеет народное происхождение. Прародителями скрипки были арабский ребаб, испанская фидель, германская рота, слияние которых и образовало виолу.</p> <p>Формы скрипки установились к XVI веку. К этому веку и началу XVII века относятся известные изготовители скрипок — семейство Амати. Их инструменты отличаются прекрасной формой и превосходным материалом. Вообще Италия славилась производством скрипок, среди которых скрипки Страдивари и Гварнери в настоящее время ценятся чрезвычайно высоко.</p> <p>Скрипка является сольным инструментом с XVII века. Первыми произведениями для скрипки считаются: «Romanesca per violino solo е basso» Марини из Брешии (1620 год) и «Capriccio stravagante» его современника Фарина. Основателем художественной игры на скрипке считается А. Корелли; затем следуют Торелли, Тартини, Пьетро Локателли (1693-1764 гг), ученик Корелли, развивший бравурную технику скрипичной игры.</p> <p>Современный вид скрипка приобрела в XVI веке, широко распространилась в XVII веке.<br />Устройство скрипки</p> <p>Скрипка имеет четыре струны, настроенные по квинтам: <strong>g, d,a,e</strong> (соль малой октавы, ре, ля первой октавы, ми второй октавы).</p> <p>Диапазон скрипки от <strong>g</strong> (соль малой октавы) до <strong>a</strong> (ля четвёртой октавы) и выше.</p> <p>Тембр скрипки густой в низком регистре, мягкий в среднем и блестящий в верхнем.</p> <p>Корпус скрипки имеет овальную форму с округлыми выемками по бокам, образующими «талию». Округлость внешних контуров и линий «талии» обеспечивает удобство игры, в частности в высоких регистрах.</p> <p>Верхняя и нижняя деки корпуса соединены друг с другом обечайками. Нижнюю деку делают из клена, а верхнюю из Тирольской ели. Они обе имеют выпуклую форму, образуя «своды». Геометрия сводов, а так же их толщина в той или иной степени определяют силу и тембр звука.</p> <p>Другой важный фактор, влияющий на тембр скрипки — высота обечаек.</p> <p>В верхней деке проделывают два резонаторных отверстия — эфы (по форме они напоминают латинскую букву <strong>f</strong>).</p> <p>В середине верхней деки расположена подставка, через которую проходят струны, закреплённые на струнодержателе (подгрифок). Струнодержатель представляет собой полоску чёрного дерева, расширяющуюся в сторону крепления струн. Противоположный конец его узкий, толстой жильной струной в виде петли он соединён с пуговкой, расположенной на обечайке. Подставка тоже влияет на тембр инструмента. Экспериментально установлено, что даже небольшой сдвиг подставки приводит к значительному изменению тембра (при сдвиге вниз — звук глуше, вверх — более пронзителен).</p> <p>Внутри корпуса скрипки между верхней и нижней деками вставлен круглый штифт из резонансной ели — душка (от слова «душа»). Эта деталь передаёт колебания от верхней деки к нижней, обеспечивая резонанс.</p> <p>Гриф скрипки — длинная пластинка из чёрного дерева или из пластмассы. Нижняя часть грифа прикреплена к закруглённой и отшлифованной планке, так называемой шейке. Также, на силу и тембр звука смычковых инструментов оказывает большое влияние материал, из которого они изготовлены, и состав лака.<br />Техника игры на скрипке, приёмы</p> <p>Струны прижимаются четырьмя пальцами левой руки к грифу (большой палец исключён). По струнам водят смычком, находящимся в правой руке играющего.</p> <p>От прижима пальцем к грифу струна укорачивается, тем самым повышая высоту звучания струны. Струны, не прижатые пальцем, называются открытыми и обозначаются нулём.</p> <p>Партия скрипки пишется в скрипичном ключе.</p> <p>Диапазон скрипки — от соль малой октавы до до четвёртой октавы. Более высокие звуки трудны.</p> <p>От полуприжима струны в определенных местах получаются флажолеты. Некоторые флажолетные звуки по своей высоте идут дальше обозначенного выше диапазона скрипки.</p> <p>Прикладывание пальцев левой руки называется аппликатурой. Указательный палец руки называется первым, средний — вторым, безымянный — третьим, мизинец — четвёртым. Позицией называется аппликатура четырёх соседних пальцев, отстоящих один от другого на тон или полутон. На каждой струне можно иметь семь и более позиций. Чем выше позиция, тем она труднее. На каждой струне, исключая квинты, идут преимущественно только до пятой позиции включительно; но на квинте или первой струне, а иногда и на второй, пользуются более высокими позициями — от шестой до двенадцатой.</p> <p>Способы ведения смычка имеют большое влияние на характер, силу, тембр звука, да и вообще на фразировку.</p> <p>На скрипке в норме можно брать одновременно на соседних струнах две ноты (двойные струны), в исключительных случаях — три (требуется сильное давление смычка), а не одновременно, но очень быстро — три (тройные струны) и четыре. Такие сочетания, преимущественно гармонические, легче исполнять при пустых струнах и труднее без них и используются как правило в сольных произведениях.</p> <p>Весьма распространен оркестровый прием тремоло — быстрое чередование двух звуков или повторение одного и того же звука, создающее эффект дрожания, трепета, мерцания.</p> <p>Прием коль леньо (<strong>col legno</strong>), означающий удар древком смычка по струне, вызывает стучащий, мертвенный звук, который так же с большим успехом применяется композиторами в симфонической музыке.</p> <p>Кроме игры смычком, пользуются задеванием струн одним из пальцев правой руки — пиццикато (<strong>pizzicato</strong>).</p> <p>Для ослабления или приглушения звука пользуются сурдиной — металлической, резиновой, каучуковой, костяной или деревянной пластинкой с выемками в нижней части для струн, которая приставляется к верхней части подставки или кобылки.</p> <p>На скрипке легче играть в тех тональностях, которые допускают наибольшее применение пустых струн. Самые удобные пассажи — те, которые составлены из гамм или их частей, а так же из арпеджио натуральных тональностей.</p> <p>Скрипачом трудно стать в зрелом возрасте (но возможно!), так как для этих музыкантов очень важна чувствительность пальцев и мышечная память. Чувствительность пальцев взрослого человека на много меньше, чем у молодого, а мышечная память требует большего времени для становления. Учиться играть на скрипке лучше всего с пяти-шести-cеми лет, возможно даже с более раннего возраста.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 10:53:31 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=55#p55 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=54#p54 <p><strong>&#9643; Пабло Казальс<br />&#9643; Пьер Фурнье<br />&#9643; Морис Марешаль<br />&#9643; Поль Тортелье<br />&#9643; Андре Наварра<br />&#9643; Антонио Янигро<br />&#9643; Жаклин Дюпре<br />&#9643; Йо-Йо Ма<br />&#9643; Мстислав Ростропович<br />&#9643; Александр Кузнецов<br />&#9643; Наталия Гутман<br />&#9643; Константин Миньяр-Белоручев</strong></p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 10:50:48 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=54#p54 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=53#p53 <p>Менее 10 лет назад в русле Днепра в слое песка была обнаружена окарина из белой глины, возрастом более 600 лет. В 1956 году найдена флейта из птичьей кости, сделанная около деревни Фомино в Рязанской области руками неизвестного мастера ещё 4 тысячи лет назад. Одна из самых древних флейт мира - свисток из сустава северного оленя возрастом около 20 тысяч лет - была обнаружена при раскопках древнекаменного века. Еще более древняя флейта найдена на юге Германии, возраст которой около 30 тысяч лет. </p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; Значит, люди играли на флейтах все это время - в период от 30 тысяч до 600 лет назад. Но на каких именно флейтах играл древний человек? Изобретение отверстий, регулирующих высоту звука, относится к более позднему времени. Самые древние флейты имели 2—3 ствола, более поздние 4—5 и так далее. </p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; Такая многоствольная флейта называется флейтой Пана (см. рис.). Названа она так в честь древнегреческого бога, покровителя пастухов, олицетворяющего силы природы. Флейта Пана дожила до нашего времени. Её отличает чистый и ясный звук. У разных народов она бытует под разными названиями. У молдаван это «най», в Литве «скудучай», в России - «кугиклы». Живы еще и люди, которые знают, какой стебель куги (цевницы) нужно срезать на болоте, чтобы он заиграл.</p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; А как сложилась судьба флейты с отверстиями? Продольной, поперечной? Продольная флейта — это флейта со сквозным продольным отверстием. У башкир это «курай», у узбеков «най» (не путайте с молдавским), у белорусов «дудка», «флуэр» у молдаван, «сотгилка» у украинцев, «саламури» у грузин, «свирель» у русских, «сякухати» у японцев. К продольным флейтам относится также флажолет и блокфлейта. А поперечная флейта - это та, у которой отверстие для вдувания воздуха находится в одном ряду с отверстиями для пальцев. Её держат поперек лица. Подробнее о ней - ниже.<br /><br /> </p> <p>Флейта (итал. flauto, англ. flute, франц. fl&#251;te, нем. Fl&#246;te). Под этим названием объединено множество духовых инструментов, от народных, преимущественно деревянных инструментов, известных в большинстве культур (свистульки, свирели и т.п.), до входящей в современный оркестр поперечной флейты. Общий признак всех флейт - отсутствие трости. </p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; Современная оркестровая поперечная флейта (см. рис.) - так называемая большая флейта имеет прямой цилиндрический канал и изготовляется из метала. Длина инструмента около 66 см, диаметр - 2 см. Инструмент состоит из 3 разборных частей: головки с подвижной (для регулирования строя) пробкой и отверстием для вдувания воздуха, и двух основных колен со звуковыми отверстиями и клапанами. Звукоряд хроматический, диапазон свыше 3 октав. Инструмент имеет 13 основных звуковых отверстий и систему клапанов. </p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; В современном оркестре используется также флейта пикколо, звучащая октавой выше и размером вдвое меньше обычной. Среди видовых инструментов есть альтовая флейта строя G (g-c''') и басовая флейта, звучащая октавой ниже обычной. <br /><br /> </p> <p>Продольная флейта была известна в Египте ещё пять тысяч лет тому назад, и она остаётся основным духовым инструментом на всём Ближнем Востоке. Поперечная флейта с 5-6 пальцевыми отверстиями была известна в Китае по меньшей мере 3 тысячи лет назад, а в Индии и Японии — более двух тысяч лет назад. В Европе в период Средневековья были распространены, в основном, простые инструменты свисткового типа (предшественницы блок-флейты и флажолета), а также поперечная флейта, которая проникла в Центральную Европу с Востока через Балканы, где до сих пор остается самым распространенным народным инструментом. В Западной Европе флейты вышли из употребления после падения Римской империи (V в) и возродились только в X-XI веке. Многочисленные изображения и описания флейты встречаются в западноевропейских источниках c XVI. В период раннего барокко цилиндрические поперечные флейты с примитивной системой пальцевых отверстий, популярные в эпоху Возрождения, перестали соответствовать требованиям нового инструментального письма. Барочные флейты (флейты траверсо) с коническим каналом и одним клапаном, сконструированные парижскими мастерами получили распространение на рубеже XVII-XVIII вначале во Франции, а затем в Германии и Франции. Популярность флейт возросла с возникновением публичной концертной жизни, которое повлекло за собой расцвет любительского музицирования; флейта, отличающаяся лёгкостью звукоизвлечения и богатыми техническими и выразительными возможностями, вошла в моду среди любителей. </p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; Для флейты много писали А.Вивальди, И.С. Бах, Гендель, Ж.М. Оттетер (Оттер), М. де Ла Барр, Буамортье, Блаве (Франция), Ж.-Б. Лойе (Фландрия), Дж. Б. Саммартини (Италия), Телеманн, Хассе (Германия). Исчерпывающий источник по искусству игры на поперечной флейте в эпоху позднего барокко - труд Кванца Versuch einer Anweisung die Fl&#246;te traversiere zu spielen (&quot;Опыт наставления по игре на поперечной флейте&quot;). После флейтовых квартетов и концертов молодого Моцарта сольный и ансамблевый репертуар для флейты долгое время не пополнялся серьёзными новыми произведениями. В начале XIX века флейты изготовлялись из самшита, черного дерева, кокосовой пальмы или слоновой кости и имели от одного до восьми клапанов.</p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; Многочисленные экспериментаторы пытались добиться устойчивости интонирования во всех тональностях, но лишь немецкому флейтисту Т. Бёму (1794–1881) удалось создать современный тип флейты. Впрочем, &quot;пальма&quot; первенства усовершенствования флейтового механизма принадлежит англичанину Уильяму Гордону, который впервые разработал новую основу устройства флейты, но не сумел довести свою мысль до надлежащего завершения. Бём же воспользовался положениями Гордона и между 1832 и 1847 усовершенствовал инструмент, который с тех пор мало изменился. Суть системы Бёма заключается в том, что в основу своих расчётов он положил не удобство расположения дырочек и клапанов, а &quot;акустические принципы лучшего резонанса&quot;. В соответствии с этим положением, он в точности установил мензуру инструмента и уже после этого начал думать о целесообразном устройстве механизма. Бём расширил отверстия настолько, что палец исполнителя не смог уже полностью закрыть их. Благодаря этому возникла система клапанов, расположенная под пальцами настолько удобно, что исполнитель получил возможность легко справляться с труднейшими техническими построениями.<br />&#160; &#160; &#160; &#160; Флейты обычно делались из серебра, хотя некоторые исполнители все еще предпочитали дерево (в XIX веке были популярны также инструменты из стекла и слоновой кости). Звук флейты стал более сильным и однородным по всему диапазону; исполнение хроматических нот и пассажей существенно облегчилось.</p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; В оркестре флейта используется с середины XVIII века. Сначала флейты служили для замены гобоев. С начала XIX века в оркестре участвовала одна флейта, в середине того же века использование двух флейт и пикколо стало традиционным, а к XX веку в оркестре появилась и альтовая флейта. </p> <p>&#160; &#160; &#160; &#160; В XX веке особенный тембр флейты привлекал французских композиторов; расширению сольного и камерного репертуара для флейты способствовали Дебюсси, Онеггер, Мийо, Дютийё, Ибер. Для флейт писали также Варез, Мартину, Прокофьев, Пистон, Хиндемит.</p> <p><img class="postimg" loading="lazy" src="https://as-flute.narod.ru/ptp.png" alt="http://as-flute.narod.ru/ptp.png" /><img class="postimg" loading="lazy" src="https://as-flute.narod.ru/samponyo_01_sm.jpg" alt="http://as-flute.narod.ru/samponyo_01_sm.jpg" /></p> mybb@mybb.ru (Влада) Fri, 22 Oct 2010 10:47:00 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=53#p53 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=51#p51 <p>Мне кажется она сначала кружится по часовой стрелке а потм против неё.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Thu, 21 Oct 2010 19:43:49 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=51#p51 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=48#p48 <p><strong>Lali4ka</strong> <strong>Элина-90</strong> а я лебенок (ребенок). Мне только 9. Но ятоже учусь в музыкальной школе! На виолончели.</p> mybb@mybb.ru (Влада) Thu, 21 Oct 2010 19:33:48 +0400 https://obchenye.bbmy.ru/viewtopic.php?pid=48#p48